Couverture 2869311532 Jean-Yves Bosseur

À paraître Musique et contestation
La création contemporaine dans les années 1960

S’il est un mot qui semble approprié aux années 1960, c’est bien celui de contestation. Ainsi les divers bouleversements qui se sont opérés dans le domaine de la musique et qui reflètent assez fidèlement les grands mouvements sociaux sont-ils passés en revue dans cet ouvrage, à partir des expérimentations concrètes des groupes et des compositeurs les plus représentatifs de l’époque.
Dans le sillage des compositeurs de l’École de New York (Cage, Feldman, Wolff, Brown), des musiciens européens, tels Cornelius Cardew et Frederic Rzewski, commencent à récuser les avant-gardes établies et les institutions musicales. Gagnés par l’esprit de liberté et le désir d’émancipation qui se sont emparés de l’ensemble de la société, ils vont reconsidérer la notion d’œuvre et les rapports entre compositeurs, interprètes et auditeurs, mettant par exemple leur engagement au service des pratiques de l’improvisation et de la création collective.
C’est alors que naissent, tant aux États-Unis qu’en Europe, des groupes comme ONCE, le New Music Ensemble, Musica Elettronica Viva, le Scratch Orchestra, le GERM ou le New Phonic Art. Bien que très actifs dans les années 1960, ces ensembles ont été rarement évoqués dans des ouvrages en langue française. Un telle investigation est d’autant plus nécessaire aujourd’hui que, depuis plus d’une quarantaine d’années, le paysage musical se partage, notamment en France, entre une confiance d’une naïveté souvent désarmante dans les progrès bénéfiques de la technologie et la restauration d’un certain nombre de valeurs remises en question par les courants les plus novateurs du XXe siècle.

À paraître en mars 2019, 228 pages, 15,5 x 23 cm, bibliographie, index
22,00 €Musique | Musique ouverte | ISBN : 978-2-86931-153-4
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Couverture 2869311524 Jean-Yves Bosseur

Vocabulaire des arts plastiques du XXe siècle

Troisième édition

« All-over », « dripping », « mobile », « performance », « ready-made », « street art »… voici un répertoire alphabétique des termes clés se rapportant à la théorie et à la pratique des arts plastiques de ce siècle.
Des définitions, des commentaires clairs et rigoureux cernent les notions évoquées et introduisent un ensemble de citations d'artistes et de critiques choisies pour leur pertinence et leur aptitude à refléter des angles d'approche aussi diversifiés que possible. Des renvois, un index des termes et des noms propres facilitent le parcours des nouvelles conceptions esthétiques avancées par les créateurs.
Pratique et richement informé, ce Vocabulaire constitue ainsi à la fois un instrument de travail commode et une invitation à explorer, dans leurs multiples facettes, les tendances des arts plastiques de notre époque.

Publié en octobre 2018, 228 pages, 15 x 22 cm, bibliographie, index
19,50 €Beaux-arts | Hors collection | ISBN : 978-2-86931-152-7
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Couverture 2869311516 Leonard Bernstein

La Question sans réponse
Six conférences données à Harvard

Traduit de l’américain par Odile Demange
Préface de Renaud Machart

Chef d’orchestre, pianiste, compositeur de la célèbre partition de West Side Story, où il mêle jazz, choral religieux, opéra italien et pop music, mais aussi pédagogue et homme de télévision, Leonard Bernstein (1918-1990) sera jusqu’à sa mort l’une des figures les plus en vue de la musique américaine.
Sous le titre « The Unanswered Question » (La Question sans réponse), inspiré par l’œuvre homonyme de Charles Ives, il donne à Harvard, à l’automne 1973, six conférences qui envisagent l’état de la musique au XXe siècle. Son but n’est pas de faire un bilan, mais de retracer l’évolution de la création musicale au fil du temps.
À partir des théories linguistiques de Noam Chomsky, il montre tout d’abord de façon éclairante que, sans être un langage articulé, la musique est tout de même un moyen d’expression possédant ses structures, sa grammaire et son vocabulaire.
Cela lui permet d’évoquer les chefs-d’œuvre de la musique de Bach à Boulez en passant par Beethoven, Wagner, Schoenberg, Stravinsky, le jazz ou les Beatles. Il émaille son exposé de fréquentes références à la poésie et à la peinture, et l’illustre de nombreux exemples musicaux (plus de 600). D’une manière très accessible, c’est donc une véritable histoire de la musique qu’il esquisse avec originalité et brio.

Publié en septembre 2018, 312 pages, 15,5 x 23 cm, index
25,00 €Musique | Musique ouverte | ISBN : 978-2-86931-151-0
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Couverture 2869311508 Jean-Yves Bosseur

L'Esprit sériel, d'un art à l'autre

L’esprit sériel a eu un impact déterminant aussi bien sur la musique (Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen, Luigi Nono...) que sur d’autres modes d’expression artistique tels que la littérature (Georges Perec ou Michel Butor) ou les arts visuels (les défenseurs de l’abstraction géométrique comme Josef Albers, Max Bill...).
D’où les polémiques les plus passionnées. Il est particulièrement significatif que son avènement coïncide avec l’apparition du nouveau roman, de l’art concret, de la « nouvelle vague » cinématographique, voire du développement du structuralisme, de la phénoménologie dans le domaine de la philosophie ou du constructivisme dans celui des mathématiques.
Sous l’impulsion de Schoenberg, le dodécaphonisme de l’École de Vienne se déploie à partir des années 1920 ; trois décennies plus tard, les compositeurs ayant choisi de soumettre leur langage propre à une telle méthode se sont rapidement engagés dans des cheminements personnels, s’émancipant de ce qui risquait de devenir une nouvelle forme de dogmatisme. Et il en est de même pour la plupart des artistes pratiquant d’autres disciplines.
Cet ouvrage accorde une large place aux témoignages des personnalités concernées, la seconde partie du XXe siècle se caractérisant par une recrudescence de prises de position théoriques et de déclarations d’intention.Aussi les chapitres successifs de cet ouvrage sont-ils consacrés, non seulement aux arts plastiques, mais également à la musique, à l’écriture littéraire, au cinéma et à l’architecture.

Publié en mai 2018, 200 pages, 15,5 x 23 cm, cahier de reproductions couleur, bibliographie, index
22,00 €Musique | Musique ouverte | ISBN : 978-2-86931-150-3
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Couverture 2869311494 Ferruccio Busoni

Esquisse d’une nouvelle esthétique musicale et autres écrits

Introduction de Pierre Michel
Traduit de l'allemand par Martin Kaltenecker, Paul Masotta, Daniel Dollé et Pierre Michel

Contemporain de Claude Debussy, Gustav Mahler et Richard Strauss, Ferruccio Busoni (1866-1924) apparaît aujourd’hui encore comme l’une des plus fortes personnalités de son époque. Compositeur, pianiste virtuose, homme de théâtre, il fut aussi un pédagogue et un théoricien extrêmement audacieux. Ses écrits dévoilent son idéal d’un art libre et un ensemble étonnant de préoccupations, d’expériences, de projections vers l’avenir – à propos des micro-intervalles et des nouvelles perspectives sonores, par exemple.
On trouvera réunie ici la majeure partie de ses articles et essais, dont le plus célèbre, l’Esquisse d’une nouvelle esthétique musicale (1907), présentée dans une nouvelle traduction. Publiées pour la première fois en français, les annotations d’Arnold Schoenberg mettent ce texte en perspective dans un débat musical et esthétique de grand intérêt.
Ce recueil, qui couvre une période de plus de trente ans, permet de saisir la pensée de Busoni et son évolution à travers ses interprétations des maîtres du passé (Bach, Mozart, Liszt), sa vision du monde musical, de la création et ses idées les plus visionnaires. Edgard Varèse disait de lui qu’il « incitait les autres à penser et à créer » et qu’il « fut le premier au début de ce siècle à concevoir une nouvelle technique de l’art ».

Publié en février 2018, 228 pages, 15,5 x 23 cm, discographie, bibliographie
22,00 €Musique | Musique ouverte | ISBN : 978-2-86931-149-7
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Couverture 2869311486 Jacques Muglioni

L’École ou le loisir de penser

Préface de Catherine Kintzler

Les textes de Jacques Muglioni réunis ici témoignent du combat acharné qu’il a mené pour la défense de l’école contre les réformes successives, et parfois les ministres, qui depuis au moins 1965 la trahissent.
Pour lui, il n’y a pas d’école possible quand le monde n’est plus qu’un marché. Car l’école n’a pas pour vocation de former les élèves selon le modèle qu’impose une société, mais de les élever à hauteur d’homme. Et cela par l’instruction, c’est-à-dire par l’apprentissage du jugement, par l’étude des disciplines fondamentales selon l’ordre qui détermine en chacune l’intelligibilité de son contenu et qui est donc la seule assise possible d’une vraie pédagogie.
Ce livre formule dans la langue la plus belle une certaine idée de la pensée, dont l’exigence républicaine est inséparable, car la république a besoin de citoyens libres et éclairés. À la subordination de l’institution scolaire à l’entreprise, il oppose une conception philosophique de l’école qui est aussi au fondement de la présence d’un enseignement de la philosophie dans les lycées, reste de l’originalité de l’école française.
Jacques Muglioni (1921-1996) a été professeur de philosophie en classe terminale et en classe préparatoire, puis inspecteur général en 1963 et doyen de l’inspection générale de philosophie de 1971 à 1983. Un peu plus de vingt ans après sa disparition, ses analyses éclairent d’une vive lumière les débats actuels et montrent qu’on ne pouvait pas ignorer l’échec inévitable et aujourd’hui patent des politiques scolaires.

Publié en novembre 2017, 264 pages, 15,5 x 23 cm
23,00 €Société | Hors collection | ISBN : 978-2-86931-148-0
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Couverture 286931146X Christian Goubault

Histoire de l'intrumentation et de l'orchestration
Du baroque à l'électronique

Seconde édition

Les Histoires de l’instrumentation en langue française sont rares, en dépit de l’importance acquise au fil des siècles par l’orchestration. Cet ouvrage parcourt un long itinéraire depuis les Intermèdes de la Renaissance et de la musique baroque, s’attachant à en souligner les particularités, les continuités comme les ruptures. L’orchestration devient alors un art autonome avec Haydn et Mozart, largement entrevu et préparé par des musiciens comme Vivaldi, Rameau, Haendel, Bach, par les Écoles de Mannheim et de Vienne.
Le chemin est ensuite tracé par des orfèvres en la matière, avec les grandes figures de Beethoven et de Berlioz. La première partie du XXe siècle expérimente d’autres voies, de la pensée sonorielle debussyste à la Klangfarbenmelodie des Viennois. Les percussions constituent de véritables orchestres. Des instruments nouveaux apparaissent, faisant appel à l’électronique, comme les ondes et les synthétiseurs, autorisant des partitions mixtes.
Ce livre serait incomplet si la technique de l’orchestration classique n’était pas abordée : équilibre entre les pupitres, divisi des cordes, combinaisons instrumentales, effets spéciaux… Le problème des transcriptions et des réorchestrations est également posé, à travers une multitude d’arrangements. Enfin, parmi plus de mille œuvres citées, un choix de partitions brèves, de Bach à Messiaen, fait l’objet d’une analyse et de commentaires, pour mieux comprendre l’orchestration.

Publié en octobre 2017, 480 pages, 15,5 x 23 cm, illustrations musicales, bibliographie, index
33,00 €Musique | Musique ouverte | ISBN : 978-2-86931-146-6
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Couverture 2869311451 Jacques Chaumelle

Vivre le symbolisme

Préface de Tony Amengual et Jean-Yves Bosseur

Le symbolisme n’est pas seulement une théorie de la connaissance et un objet d’étude. À une époque où les approches logiques, scientifiques et technologiques semblent dominantes, il demeure un véritable catalyseur pour les penseurs, les créateurs et les artistes. En fait, il peut devenir – ou redevenir – pour chacun d’entre nous, pourvu que nous gardions un esprit ouvert et curieux, un outil irremplaçable d’intelligence de l’univers.
Alors, les allégories et les mythes, qui nous renvoient aux racines mêmes de notre pensée, de notre culture et de nos civilisations, nous livrent un enseignement infiniment précieux sur la manière dont nous pouvons être au monde, et ils nous permettent de développer de fécondes relations avec les êtres et les choses. Cette pensée symbolique ne constitue pas seulement un changement de regard, elle s’incarne dans un art de vivre que chacun peut mettre à l’épreuve de sa propre existence.
C’est ce dont témoignent de manière lumineuse les textes de Jacques Chaumelle rassemblés ici. Ils nous font voyager d’une époque à une autre – de l’antiquité grecque ou latine au monde médiéval – d’un courant de civilisation à un autre – du monde celtique au monde scandinave – d’un penseur à un autre – de Marc Aurèle à René Guénon. Ils sont le témoignage du cheminement maçonnique et philosophique, durant plus d’une trentaine d’années, d’un homme sincère, de sa soif de connaissance et de ses inlassables recherches. Plus largement, ils constituent une réflexion universelle sur ce que signifie « être un homme ».

Publié en mai 2017, 204 pages, 14 x 22 cm, index des noms
21,00 €Société | Hors collection | ISBN : 978-2-86931-145-9
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Couverture 2869311443 Gérard Le Vot

Poétique du rock, oralité, voix et tumultes

Dans ce livre, Gérard Le Vot écarte l’anecdote et la légende pour définir une esthétique du rock des premières décennies. À l’audition des disques et des performances live, sa méthode interroge la forme musicale : globale, fluide et orale, mal adaptée à l’écriture.
Ainsi, les voix de Janis Joplin, Jim Morrison, Bob Dylan, Robert Plant, Mick Jagger… sont étudiées pour leur « trop-plein » d’énergie, leur intensité et leurs cris, repoussant les frontières sonores. Les Grateful Dead, les Doors, les Mothers of Invention, le Band et d’autres groupes attentifs à la tradition afro-américaine revendiquent le tapage du rythmn’ blues dans un non-conformisme et un éclectisme influencés par les expériences de John Cage et de Marcel Duchamp.
À partir de la soul, du funk et des rocks protestataire et psychédélique, les tumultes des années soixante et soixante-dix – la révolte, la subversion, la fête, la maîtrise des bruits par la technologie – annoncent les musiques techno, dance, hip-hop, l’intérêt toujours vivace aujourd’hui pour l’underground, mais aussi les compromis passés avec l’industrie.

Publié en février 2017, 204 pages, 15,5 x 23 cm, bibliographie, index des noms, illustrations
21,00 €Musique | Musique ouverte | ISBN : 978-2-86931-144-2
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Couverture 2869311435 Philippe Vendrix

Vocabulaire de la musique de la Renaissance

Seconde édition revue et corrigée

La Renaissance vit naître le premier dictionnaire des termes musicaux. Mais, si elle fut scandée de nombreuses entreprises lexicographiques ou taxinomiques, elle ne chercha jamais à occulter ni à estomper les exceptions, qu’elles résultent de conditions historiques et géographiques ou qu’elles surgissent sous la plume d’un compositeur hors du commun. Dans cette période de foisonnement, les genres, les instruments, les procédés, les formes portent des noms aux contours parfois incertains. Les termes abondent et recouvrent des sens de temps à autre complémentaires ou contradictoires.
C’est à des éclaircissements que s’est attaché ce Vocabulaire, en proposant des définitions simples, des clefs de compréhension, en concentrant les informations, en mettant aussi en évidence les travaux des musicologues qui, depuis Charles van den Borren, tentent de nous restituer deux siècles de musique infiniment riches.
L’iconographie ne pouvait être totalement écartée. L'étudiant comme le mélomane y trouveront une source de connaissance également précieuse.

Publié en novembre 2016, 216 pages, 15 x 22 cm, chronologie, bibliographie, index, illustrations
20,00 €Musique | Musique ouverte | ISBN : 978-2-86931-143-5
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